Les Grandes Personnes

The Tourists

Jean-Baptiste — 2018-02-19T12:56:53Z

With the help of la Villa Mais d'Ici

Globalized tourism is sometimes perceived as nuisance or a curse in the most successful destinations worldwide, as well as a chance. Our family of wandering tourists gently satirizes these enthusiastic and sometimes cumbersome visitors.

El Periodico, septembre 2016.

L'attaque du touriste Godzilla, article d'EL PERIODICO

Better Tomorrows

Christine Schultz-Touge — 2018-01-15T20:26:14Z

With the support of DRAC Île-de-France,
the Réseau Déambulation,
the Ateliers Frappaz – CNAREP Villeurbanne,
the Moulin Fondu – CNAREP Noisy-le-Sec ,
the Villa Mais d'Ici and the Fontaine aux Images in Clichy sous Bois.

À Demain — Better Tomorrows
Peddling utopia in public space

Dear friend, I'm sending you a little piece of work of which it would be quite unjust to say that it has neither head nor tail, since everything, on the contrary, is both head and tail, alternatively and reciprocally. Just think what admirable advantages such a combination offers to everyone, to you, to me, and to the reader. We can interrupt wherever we wish, I. my reverie, you, the manuscript, the reader, his reading; for I am not tying a reader's recalcitrant will to the unending thread of a superfluous plot. Remove one vertebra, and the two halves of this tortuous fantasy will have no difficulty in reuniting. Chop it into a number of fragments and you will see that each can exist on its own.

Charles Baudelaire, Prose Poems, trans. Nicola Jane Santilli.

Imagination
Struck by the sad pessimism that rules our visions of the future as shown by an omnipresent literature of dystopian totalitarianism and an overwhelming cinematography of ecological apocalypse, the Grandes Personnes took to heart to invent a new theatrical creation which figures out optimistic futures, maybe still within our reach, being intimately convinced that human curiosity, and social, political or ecological imaginations are too seldom appealed to.

A Demain - Photo : Joao Luiz Bulcao

Brevity
For Better Tomorrows we have chosen a group of short intimate formats lasting a few minutes, created to be shown and played to group of people small enough to be able to look into the carried box, two couples, a family a small group of passersby. Each box is its own world and works on its own, but all of them constitutes a whole which can be discovered in several orders. The challenge of this aesthetic of brevity, with a single theatrical gesture, an animated sculpture and a short text proved to be quite interesting..

A Deamin - Photo : Joao Luiz Bulcao

Boxes
Better Tomorrows is about opening a breach towards positive futures. Each performer carries a surprise box and offers in one or two minutes the apparition of a utopia. The whole show comprises up to ten boxes. Some contain architectural dreams, other open like flowers or like oysters. Even if the experience is most interesting if you see them all, each one can play on its own, and the order of the discovery creates a variety of experiences.

A Demain - 1 - Illustration : Sigolene de Chassy

Illustration : Sigolène de Chassy

Time Travellers
The performance offers a series of short shows, nevertheless the peddlers of utopia are also a group dressed with custom designed clothes, all different but with common characteristics. They are time travelers, coming from the future. Indeed, they are first amazed or a bit frightened by the old new world in which they arrive, they soon scatter to show their findings and meet again to discuss their encounters.

A Demain au Festival Onzbouge - Photo : Joao Luiz Bulcao

Public
While street theatre brings the show to meet an audience that rarely steps into a theatre, thanks to its lightness, mobility and brevity Better tomorrows, proposes to reach even those people who don't have the time, who don't feel concerned, and who don't stop on the street. Creating a tiny ephemeral scenic space in a magical box, the actors want to share a poetic and artistic minute or two, full of hope, with passers-by or people running errands. It can be performed at the market or for people waiting in a long queue or while taking public transportation. And with a bit of luck, the experience of sharing a very accessible subject around a utopian box will make them want to see another, then another, and that might encourage them to see other shows. Finally, the poetic texts of each box provide extensions, variations in case spectators want to lengthen the experience or come to see them again.

A Demain - 2 - Illustration : Sigolene de Chassy

History
The envisaged scheme is based on one of the oldest and least-known street theatre traditions, that of “curiosities” shown by the Savoyards as of the 18th century.

Utopias

Some of the utopias peddled in boxes by our time travelers

• The eloquence of touch
“Touch turned out to be an efficient and universal language, the Esperanto of the future.”

L'éloquence du toucher - Photo : Suzane Brun

• Talking with ghosts
“Some ghosts even give advice and counsel as translators of forgotten languages, detective in familial enigmas, prompters of knowledge, reverser of unhappiness.”

A Demain - Photo : Joao Luiz Bulcao

• Dreams revealed
“It happened at last. Tomorrow, the obscure meaning of dreams can be read like an open book.”

La clé des songes - Photo : Joao Luiz Bulcao

• Wide open
“Deep down, we are not made to tolerate walls. Partitions are upsetting. We are born for space. Outside, it's the Eldorado, Java, Cythera.”

Grande ouverture - Photo : Suzane Brun

• With the insects
“After the great reconciliation, crickets became our scrupulous ambassadors to the other insects.”

À demain, avec les Insectes - Photo : Joao Luiz Bulcao

Photo : Joao Luiz Bulcao

• The concert of ages
“You see, it's neither tomorrow nor the day after, but one of the following days that was erased the frontier which separated people according to their age.”

Le concert des âges - Photo : Joao Luiz Bulcao

Photo : Joao Luiz Bulcao

Idea and direction: Christophe Evette
Additional direction: Evelyne Fagnen and Eric de Sarria
Texts: Jean-Baptiste Evette
Costumes, Solenne Capmas with Bérangère Pivot
Cast: Pauline de Coulhac, Benoit Hamelin, Sévane Sybesma, Raphaële Trugnan and Nicolas Vullier.
Sculptors: Nicolas Vuillier, Virginie Chevrier, Christophe Evette, Solenne Capmas, Laure Bouchereau, Matisse Wessels, Izimi Konaté, Yabako Konaté, Maëlle Lignier, Valentina Torres
Builders, Frank Oettgen, Lucie Taralo, Jean Martin, Stefano Emili
Machines: Nicolas Vuillier
Paints: Virginie Leforestier
Video: Quentin Blondel

A Demain - Photo : Joao Luiz Bulcao

Mambo Jumbo

Christine Schultz-Touge — 2017-12-30T04:27:51Z

Creation supported by the Région Ile de France, the Guinguette Buissonnière and the Villa Mais d'Ici.

TO SET FREE
Mambo Jumbo draws from the dressing and musical revolutions that have accompanied the great moments of struggle for equality and emancipation, whether it is the battle of women, homosexuals or black Americans. By the choice of costumes, themes and music, it celebrates these periods of liberation and provocation. It invites everyone to free themselves from the restraints of everyday life in an authentic carnival spirit.

Photo : Dominique Lagnous

Photo : Dominique Lagnous

TO LIVE
Struggles for emancipation have perhaps developed their music and dress codes in order to humanise the bitterness of the fight in a festive manner.
These are the cultural elements that this project wants to bring to light.
What other relationship can be established between a Congolese sapper, a drag-queen and a rapper if not a furious desire to exist and to live?
This project is nourished by that need for recognition and that spontaneous energy.

Photo : Thomas Sappe

Photo : Thomas Sappe

TO INVITE
A successful ball or carnival is one where the audience does not just watch but participates in the festival.
With Mambo Jumbo, the Grandes Personnes wanted to propose an intensely stimulating performance. A group made up of actor-dancers and giant puppets some four metres tall alternates choreographic scenes and narratives with moments of festive promenading to catchy, popular music thus inviting the public to participate in both the parade and the dance.

Photo : Thomas Sappe

Photo : Thomas Sappe

CHANGING CLOTHES IN VIEW AND RHYTHM
The puppets and dancers are dressed and accessorised to music while in full view, thanks to the sound system installed on a huge cart that looks like an itinerant wardrobe. The costumes of this insolent fashion-show parody are inspired by those of feminists, rappers, zooters, sappers, afros, punks, drag-queens or queers. Thus, each dancer, each giant puppet goes through a series of choreographed metamorphoses. In a joyfully anachronistic disorder, each shows off their figure, elegance and sense of rhythm while dancing to music drawn from a repertoire ranging from African drums to techno by way of New Orleans jazz, rock, funk, soul, hip-hop and Latino-American or Caribbean standards.

DANCING AND GROWING
From the mobile choreography of the parade, developed with the participation of Olivier Germser, founder of the Tango Sumo company, to the final grand ball when the show ends, the invitation to dance is at the heart of Mambo Jumbo's proposition. The choreographic work of the Les Grandes Personnes collective was enriched by participation in the opening parade of the Lyon Dance Biennale, in 2016, with Seifeddine Manaï, and continues to be perfected.

TO DEVELOP
While Mambo Jumbo has already been the subject of a residency at the Villa Mais d'Ici in 2017, of a remarkable outing at the carnival of Nice in March 2017, and of 3 performances in the centre of France with the Guinguette Buissonnière, the collective wants to expand and perfect it, to develop its choreography, its musical and narrative choices, while keeping the energy of a work in progress, of an experimental laboratory..

Dessin : Clôdmo

THE TEAM
Artistic direction: Pauline de Coulhac
Directed by: Pauline de Coulhac and Raphaële Trugnan
With the precious collaboration of Olivier Germser for the chorographic parts and Sévane Sybesma for the writing.
Costumes: Patricio Luengo assisted by Juliette Minot, Annette Ravaud, Véronique Valentino and Claudia Verdejo
Accessories design: Matisse Wessels
Design and creation of the cart: Maurizio Moretti and Cédric Lasne
Sound editing: Maximilien Neujahr and Kevin Monteiro
Fabrication of accessories and structures: Claude-Maurice Baille, Ninon Bonnot, Laure Bouchereau, Yoann Cottet, Yabako Konate, Cédric Lasne, Clémence Minot, Maurizio Moretti, Nathalie Regior, Nicolas Vuillier, Matisse Wessels.
A big thank you to Yuka Jimenez for his precious collaboration
and his wise advice.
Actors and puppeteers (alternately):
Claude-Maurice Baille, Laure Bouchereau, Caroline Brillon, Yoann Cottet, Pauline de Coulhac, Cédric Lasne,
Rodolphe Martin, Kevin Monteiro, Maurizio Moretti, Maximilien Neujahr, Sévane Sybesma, Raphaële Trugnan, Nicolas Vuillier, Matisse Wessels.

Photo : Dominique Lagnous

Photo : Dominique Lagnous

Shut Your Trap (Ton Bec)

Christine Schultz-Touge — 2017-12-30T04:27:47Z

Inspired by La Fontaine, but especially by J. J. Granville, these two giant puppets have human bodies, but the taller one sports a stork's head and the smaller one a little chick's head. Will the impeccable dignity and natural elegance of the stork be frazzled by the unruly chick, who seems to have discovered the pleasures of skipping school?

- Shows

The Balance

Christine Schultz-Touge — 2017-12-30T04:27:43Z

Support: The creation of The Balance was supported by the DRAC Ile de France, the Festival Parade(s) of Nanterre, the Théâtre de la Commune d'Aubervilliers, the SPEDIDAM, the Poussières, the Nef - Manufacture d'Utopies and the Villa Mais d'Ici

Affiche du spectacle - Illustration : Meescat - Graphisme Amandine Guillard

Distribution :
Jeu : Benoît Hamelin et Maximilien Neujahr
Texte : Jean-Baptiste Evette
Mise en scène : Christophe Evette
Accompagnement artistique : Nicolas Gousseff
Sculptures textiles : Fleur Marie Fuentes
Construction et menuiserie : Maurizio Moretti
Illustrations : Meescat
Accessoires : Amora Doris, Matisse Wessels, Jean Martin et Mandarine Jacquet-Gregg

La création de la Bascule a été soutenue par le festival Parade(s) de Nanterre, le théâtre de la Commune d'Aubervilliers, la SPEDIDAM, Frères Poussière et la Villa Mais d'Ici.

Nous tenons à remercier l'association Ensemble Contre la Peine de Mort pour ses conseils et documents.

INTRODUCTION : L'ENJEU

À̀ l'heure où elles font l'objet de discussions et de contestations, nous avons décidé d'évoquer sous une forme théâtrale et plastique les grandes avancées sociales du xxe siècle.
Nous voulons raconter quatre épisodes de ces luttes qui ont changé notre vie : les conquêtes ouvrières et syndicales, l'abolition de la peine de mort, la santé pour tous et les droits des femmes. Puisque ces combats sont relativement récents, certains de leurs protagonistes, grandes figures ou surtout simples individus engagés, sont encore vivants, et nous nourrissons notre travail de rencontres et d'entretiens.
Ce projet baptisé En-Jeu s'est déjà concrétisé en 2012 à̀ travers une première création, La Ligne jaune, dans lequel une actrice raconte avec des santons en terre cuite les luttes dans l'usine Renault de Cléon, en Normandie. Le texte est né d'une série d'entretiens avec les retraités de l'usine, mais aussi avec des syndicalistes d'aujourd'hui. La Ligne jaune a été jouée plus de 50 fois, parfois dans des lieux symboliques, comme le familistère de Guise ou l'usine PSA d'Aulnay-sous-Bois.
En-Jeu veut lutter contre le découragement et la passivité ambiants en faisant participer les spectateurs aux souvenirs des luttes passées, et en racontant le xxe siècle aux enfants du xxie.

L'ABOLITION DE LA PEINE DE MORT

La Bascule rappelle dans quelles conditions, au prix de quelles luttes, l'abolition de la peine de mort s'est finalement imposée à̀ la République française en 1981, avec un retard notoire sur la plupart des autres pays européens : même l'Espagne, à peine sortie du franquisme, avait supprimé la peine capitale…
Il est y question de la prison et du fonctionnement de la justice, du droit de grâce présidentiel. Le spectacle présente de manière circonstanciée, les forces en présence, et il centre la réflexion sur procès et de l'exécution de Claude Buffet et de Gérard Bontems en 1972. Comme celui de La Ligne jaune, le récit mêle des destins individuels et des grands moments historiques collectifs. Enfin, le spectacle se clôt sur une évocation de l'état mondial du débat sur la peine capitale.
Pour évoquer cette histoire, La Bascule recourt aux éléments ludiques et populaires que sont les poupées de chiffon, situées à mi-chemin entre l'art et l'artisanat. Le jouet en effet, du train électrique à la poupée, est déjà une sculpture, et par définition sert de support à l'invention, à la narration et au dialogue. Sur ce principe, l'acteur de La Bascule raconte des histoires en manipulant des poupées, en invitant les spectateurs à̀ jouer aussi, afin de rétablir un lien avec l'enfance, comme les grandes marionnettes le faisaient déjà, puisqu'ici aussi, il est question de mythes fondateurs et de mémoire. Tous les « jouets » sont de créations plastiques originales.

RACONTER LES LUTTES DU SIÈCLE PASSÉ DANS L'ESPACE PUBLIC

Pourquoi jouer aujourd'hui dans l'espace public un spectacle sur la peine de mort ? Alors que l'abolition est inscrite dans la constitution française, que nous sommes liés par des traités européens qui la proscrivent en toutes circonstances, un parti politique qui a deux élus au parlement continue à réclamer son rétablissement. Par ailleurs, l'espace virtuel de l'Internet est une plateforme où s'expriment des désirs de vengeance régressifs et mortifères. La page Facebook qui réclame la peine de mort pour la mère et le beau-père d'une petite fille assassinée près de Clermont-Ferrand a été « aimée » par 53 000 personnes, tandis que celle qui soutient un bijoutier niçois qui a tué un de ses agresseurs au moment où ce dernier s'enfuyait par 1 600 000. En face de ce déchaînement anonyme et virtuel, il nous est apparu utile et nécessaire de raconter de manière concrète, avec des objets simples, du bois, du tissu, un couperet, dans l'espace réel et commun de la rue, ce qu'était réellement une condamnation à la peine capitale. À̀ visage découvert, un acteur raconte et explique à un public réellement présent les personnages, les faits incriminés, le procès, la condamnation d'un coupable, son exécution, puis enfin l'abolition.
Le spectacle rappelle ausi, au delà de la situation française, qu'en 2013, selon le dernier rapport d'Amnesty International, 28 pays ont encore exécuté des condamnés à mort.

Le dispositif scénique
L'acteur incarne plusieurs personnages, même s'il est dans la plus grande partie du texte un paysan vosgien, père du condamné à mort Roger Bontems, mais il explique aussi les règles du jeu, déplace, actionne et manipule des figurines, plus précisément des poupées, sur trois éléments en bois modulables. Ces « meubles » fabriqués en chêne, comme les « bois de justice » (les éléments de la guillotine) se transforment pour épouser l'action dramatique, construisant tour à tour une automobile, une prison, une salle de tribunal, un échafaud ou la tribune de l'Assemblée nationale. Ils permettent à̀ l'acteur d'y monter et de prendre de la hauteur. Les spectateurs sont installés en rond, au plus près du spectacle, une disposition qui évoque selon les cas le public du procès d'assise, les jurés ou tout simplement l'opinion publique, alternativement ardente consommatrice de faits-divers et attentive au drame humain. Des objets passeront parmi les spectateurs et susciteront des interactions réelles. Au cours d'une dernière métamorphose, les éléments deviendront support d'exposition pour conclure le spectacle sur le bilan mondial de la lutte pour l'abolition.

CE QUI SE JOUE AUTOUR DE LA BASCULE

Le spectacle raconte sous une forme vivante et ludique les événements sociaux et judiciaires qui ont conduit la République à renoncer à la peine capitale. Pour évoquer l'histoire de l'abolition la peine de mort en France, nous avons assez rapidement retenu l'affaire Buffet-Bontems. Certes, l'ancien ministre de la Justice Robert Badinter, qui fut l'avocat de Roger Bontems, en a fait le pivot de sa lutte pour l'abolition, à travers son livre L'Exécution, et il est tout naturel de se pencher sur ces événements. Mais dans ce drame humain et judiciaire se nouent plusieurs autres questions cruciales.
Buffet est un ancien combattant de l'Indochine et Bontems de l'Algérie, comme beaucoup des grands délinquants de l'époque, et leur retour raté à la vie civile explique pour partie leur inadaptation à la société française du temps. Les faits, la tentative d'évasion avec prise d'otage qui aboutit à l'assassinat du gardien Guy Girardot et de l'infirmière Nicole Comte, se déroulent dans la centrale de Clairvaux, qui est un lieu symbolique à bien des égards.
Ancienne abbaye, cette prison mêle curieusement, en 1971, des conditions de détention très rigoureuses et un certain laisser-aller. C'est aussi le principal employeur des environs, au point que la veuve du gardien assassiné ira y travailler dans les bureaux… Au moment du procès, les avocats des accusés souligneront le nombre très élevé de suicides ou d'automutilations chez les prisonniers. De plus, c'est là qu'était en prison le véritable Claude Gueux, l'homme dont le destin a inspiré à Victor Hugo un de ses textes sur la peine de mort. Or on ne peut évoquer le mouvement vers l'abolition sans rappeler certaines de ses grandes étapes.
Les deux individus offrent un contraste saisissant : Bontems affirme qu'il n'a pas participé aux meurtres. Buffet, sorte de nietzschéen autodidacte, grand lecteur de la Bible par ailleurs, réclame pour lui-même peine de mort. Mieux, il voudrait être allongé sur le dos dans la guillotine, pour avoir le loisir de voir le couperet descendre. Il fascina Thierry Lévy son avocat, au point que ce dernier publia après la mort de Buffet une partie des journaux de son client dans L'Animal judiciaire.

Enfin, les institutions judiciaires ont dû travailler sous des pressions multiples, celle des gardiens de prison et de leurs syndicats, CGT et FO, légitimement indignés par l'assassinat d'un des leurs ; celle de l'opinion publique, partagée entre la fascination morbide que suscitent les faits-divers sanglants et la réprobation pour un crime affreux ; celle de la presse qui rend compte des faits, mais qui, pour partie, se livre à une violente campagne contre ceux qu'elle appelle « les égorgeurs ». Ainsi, alors que l'opinion publique paraissait jusque-là majoritairement favorable à̀ l'abolition, un sondage publié juste avant que les avocats ne déposent leur demande de grâce auprès du président Georges Pompidou révèle un véritable retournement : la population française soutient désormais la peine capitale. On sait que le président Pompidou, hostile par principe à la peine de mort, refusera pourtant la grâce de Buffet et Bontems.

LES POUPÉES
Les rôles sont tenus à la fois par l'acteur, qui incarne le père de Roger Bomtems et d'autres personnages, mais aussi par des poupées et des accessoires qui entrent un à un dans le spectacle. Leur simple apparition, leur présentation constituent déjà̀ autant de petits événements théâtraux et plastiques. Pour La Bascule, Fleur-Marie Fuentes et Christophe Evette ont imaginé des poupées de chiffons intégrant un squelette métallique qui permet de conserver des attitudes et de positions. Leur caractéristique essentielle, cependant, c'est de confronter une rondeur et une simplicité enfantines, et des visages peints très précis, inspires par la crudité des clichés de l'identité judiciaire ou par le réalisme saisissant des portraits funéraires égyptiens du Fayoum.
Ce contraste veut évoquer les oppositions qui sous-tendent le drame : la tension entre humanité et cruauté, qui n'est pas seulement à l'œuvre dans le crime, mais aussi dans le châtiment. Choisir des poupées de chiffon pour interpréter ce moment important de l'histoire judiciaire et sociale, le combat pour l'abolition, n'est pas seulement une provocation. Les poupées rappellent qu'un assassin a un jour été un enfant, en même temps qu'elles sont propices à̀ évoquer les peurs et les fantasmes qui nous travaillent profondément face au crime et à la justice. Elles redisent l'intense besoin de tendresse et de contact physique de l'enfant ou de l'adulte isolé. Elles illustrent comment l'individu emprisonné ou entraîné dans la machine judiciaire perd ses libertés les plus élémentaires et se trouve réduit à̀ l'état de marionnette. Enfin, elles sauront être des corps sans vie, victimes ou coupables exécutés, inertes comme « des poupées de chiffon ».
Nous sommes conscients que le rapprochement de la poupée et de la guillotine a quelque chose de sinistre, mais, même si nous ne souhaitons pas imiter le répertoire du théâtre du Grand Guignol, le récit d'un crime, d'une exécution, a forcément un lien avec l'effroi.

LES PORTRAITS DU FAYOUM
Les portraits du Fayoum, d'après la région d'Égypte où le plus grand nombre d'entre eux a été découvert à la fin du XIXe siècle frappèrent tant par leur réalisme et leur modernité qu'on cria à la supercherie, avant de se rendre compte qu'ils avaient effectivement été peints dans une Égypte romanisée entre le Ier et le IVe siècles. On en connaît aujourd'hui près d'un millier. Disposés dans les sarcophages au niveau de la tête de la momie, ils représentaient le visage serein du défunt, les yeux ouverts, peint avec des pigments mêlés à de la cire liquide (encaustique) ou à un autre liant (tempera) sur du bois. Les recherches archéologiques ont montré que ces portraits étaient réalisés du vivant des modèles, souvent longtemps avant leur mort, puis découpés pour s'adapter au sarcophage. Leur réalisme étrange, leur figuration si frappante et si familière les visages de gens décédés, le fait enfin qu'ils aient été coupés, se sont imposés à nous pour La Bascule.

LES PHOTOGRAPHIES DE L'IDENTITÉ JUDICIAIRE
La police s'est dotée dès 1874 d'un service photographique pour identifier les récidivistes, une tâche que l'abolition du marquage au fer rouge en 1832 avait rendue plus difficile. Pourtant l'idée d'uniformiser les photographies, d'imposer une distance de pause, un cadrage, une échelle, de réunir cliché de face et de profil ne s'imposa qu'avec Alphonse Bertillon, également inventeur de l'anthropométrie, lors de la création du service de l'identité judiciaire en 1888. On y avait mis au point une chaise spéciale dotée d'un cale tête qui permettait de fixer la pause des suspects. Ces « photographies signalétiques » en noir et blanc, souvent saisissantes dans leur volonté d'objectivité scientifique, ont constitué également une source d'inspiration importante pour les plasticiens qui travaillent sur le projet.

1960-2013
En juin 1960, Roger Bontems, revenu depuis peu d'Algérien où il a servi dans les parachutistes, vole une voiture parce qu'il a raté le dernier bus pour rentrer chez lui ; c'est le début d'une série de délits qui le conduiront en prison. Il se trouve enfin enfermé à̀ la centrale de Clairvaux où les conditions de détention sont rigoureuses, même si les prisonniers circulent assez librement. Là, il rencontre Claude Buffet, ancien légionnaire, condamné à perpétuité pour un meurtre associé à un vol. Ensemble, ils mettent au point un plan d'évasion. Armés d'un poignard artisanal et d'un opinel, les deux détenus investissent l'infirmerie en septembre 1971, s'y barricadent et prennent deux otages, l'infirmière remplaçante Nicole Comte et le gardien Guy Girardot, deux personnalités très appréciées. Buffet a préparé des lettres qu'il lit aux autorités : les mutins réclament des armes et une voiture. Les autorités tergiversent, attendent des directives qui tardent. Enfin, la gendarmerie, accompagnée par des gardiens, donne l'assaut. Quand les forces de l'ordre sont enfin maîtresses du terrain, les deux otages sont morts égorgés. Les gendarmes doivent protéger les deux criminels que les gardiens voudraient lyncher.
Le procès a lieu à Troyes en juin 1972 ; autour de la salle du tribunal on crie « À mort Buffet, à mort Bontems ». Malgré les efforts des avocats, dont Thierry Lévy et Robert Badinter, les deux hommes sont condamnés à mort, même si le jury estime que Bontems n'est pas directement coupable d'assassinat. Le déroulement du procès est marqué par deux incidents provoqués par Badinter, il évoque un rapport médico-légal caduc, qui innocentait Bontems et le force à jurer qu'il n'a pas commis de meurtre, ce qui est interdit. À̀ la lecture du verdict, des applaudissements retentissent : le juge se scandalise. Exposé à la pression du syndicat des gardiens et à une campagne de presse virulente, Pompidou, malgré ses convictions, refuse sa grâce. Les deux hommes seront guillotinés à Paris. Plusieurs journaux qui, bravant l'interdiction, avaient relaté l'exécution furent condamnés.
Pendant la campagne électorale de 1981, François Mitterrand, l'ancien ministre de la Justice qui a contresigné plus de quarante condamnations à mort pendant la guerre d'Algérie, annonce qu'il abolira la peine capitale s'il devient président de la République. Quand il est élu, c'est le nouveau ministre de la Justice, Robert Badinter, qui défend le projet de loi devant l'Assemblée. Pour expliquer que la peine de mort n'est jamais dissuasive, il rappelle que l'assassin Patrick Henry, qu'il a également défendu, se trouvait dans le public du procès Buffet- Bontems et qu'il criait « À mort » avec les autres. Le projet de loi est adopté le 18 septembre 1981, par 363 voix contre 117. Cependant, dans le monde, en 2013, 28 pays ont exécuté des condamnés à mort.

L'ÉCRITURE
Comme celle des spectacles À la corde et La Ligne jaune, l'écriture est le fruit d'une collaboration entre deux frères, Christophe Evette plasticien à qui revient l'idée du dispositif, et Jean-Baptiste Evette, auteur, qui a déjà travaillé sur les faits divers et le théâtre de rue. Au fil de leurs collaborations, ils prolongent des inventions ludiques commencées au cours de leur enfance.
Porté par un acteur unique, le texte est un monologue, mais on y entend parfois d'autres voix qui se mêlent à̀ celles du personnage principal, le père de Roger Bontems, à qui il donne la parole.
À̀ des moments clés, le texte provoque la participation des spectateurs, pour que le moment collectif du spectacle fasse écho aux moments collectifs du drame, décision du jury, mouvements de l'opinion publique, etc.

LE CADRE GÉNÉRAL : EN-JEU
La Bascule, comme le spectacle antérieur La Ligne jaune, s'inscrit dans un ensemble plus vaste de réflexions sur les conquêtes essentielles du xixe siècle que nous avons baptisé En-jeu. Ainsi, selon les possibilités, on pourra jouer un, deux, voire même trois ou quatre spectacles simultanément. Dans la configuration maximale, quatre spectacles se dérouleraient en même temps sur quatre espaces et déclineraient quatre thèmes différents, représentés avec des jouets-sculptures variés. Ainsi, au lieu de concentrer l'attention des spectateurs vers un seul lieu, une scène ou un écran, En-jeu organiserait plusieurs pôles où ils seront invités à regarder et à participer à̀ un spectacle sur lequel il faut baisser les yeux. Selon le lieu où il se produira En-jeu prendra des allures d'allée de marché, de foire ou bien de salon de jeu. En-jeu s'organisera selon quatre actes qui seront joués sur quatre tables suffisamment écartées les unes des autres pour qu'on puisse y parler sans se déranger. Chacun de ces actes d'une durée de quarante minutes environ sera interprété par un acteur qui utilise des accessoires sculptés conçus pour voyager facilement dans deux valises.

Allebrilles

Christine Schultz-Touge — 2017-12-30T04:27:41Z

Soutiens : Allebrilles was created within the framework of the Fête des Lumières in Lyon with the support of the CNAR Frappaz / the Invites de Villeurbanne, the Noche de los Alebrijes and the Museo de Arte Popular of Mexico City, from Décor +, Subsistances, the Musée Gadagne, Pezl and Toshiba.

Allebrilles, is a luminous strolling street show, combining masks and large puppets. It draws its inspiration from Mexican Alebrijes, papier mâché chimeras that are especially dreamlike and colourful.

A fantastic ballet is organised around a bedroom set up in a public space, where laughter and childish fears meet.

Parade des Allebrilles - Fêtes des Lumières 2013

Blog des Lumieres

Allebrilles is an opportunity to reflect together about the imaginary, about fear; but especially about folk cultures and their creations designed to terrify and delight children.

With the complicity of the light, a revealing element that both exposes and proposes, Allebrilles aims to publicly fight off anxieties and stamp out darkness, celebrating the happiness of being outside together.

Thus, light does not rush in, it is transmitted from one character to another, just like knowledge and love are communicated from individual to individual. It shares its colours and weaves this essential bond that calms, soothes and is an invitation to the fête. When the night lights up, it's time to dance and play.

Allebrilles à Cergy - Photo : Dominique Chauvin

The “alebrijes”, these Mexican statues of fantastic creatures in vibrant colours, owe everything to Pedro Linares (1906–1992), without him the word “alebrije” would not exist.

LINARES'S DREAM

In Mexico City, Linares made cartoneria, which are varnished papier mâché objects, intended for specific festivals. According to legend, in 1936, he was seized with an intense fever during which he had a vision. He was travelling in a natural landscape where the elements were transformed into chimerical animals of incredibly bright colours, screaming the word “alebrije”. Once recovered, Linares tried to produce the creatures that he had seen during his vision. Over the years, the growing success of his sculptures drove his descendants, then many others, to also fabricate alebrijes.
The works of Linares fascinated the painters Diego Rivera and Frida Kahlo, who commissioned several pieces from him, exhibited at the Anahuacalli Museum in Mexico City. Today, the tradition launched by the Linares family has become a major activity. In addition to Mexico City, it is mainly in the State of Oaxaca that one finds entire villages devoted to the creation of alebrijes.

A PARTERSHIP WITH THE MUSEO DEL ARTE POPULAR (MAP)

The mission of the Museo del Arte Popular, housed in an Art Deco building since 2006, is to promote and conserve Mexican folk art. In over 7,000 square meters are displayed the works from its permanent collections, made of materials ranging from papier mâché to basketry, woodcarving, metalwork, textiles and even sugar sculptures. The museum also organises temporary exhibitions and workshops for young people.
In the month of October, every year since 2007, in collaboration with the Conaculta (National Council for Culture and Arts) and Mexico City, the MAP has been organising a parade of giant alebrijes accompanied by a contest that celebrates traditional Mexican arts. Once the parade is over, the giant sculptures remain on display for two weeks.

Allebrilles - Photo : Achromatik

Photo : Achromatik

ELEMENTS OF THE SHOW

Allebrilles, is a luminous strolling street show, where fixed scenes of about 5 to 10 minutes alternate with wandering tableaux.

It was designed for nocturnal performances and requires semi-darkness, but can work with urban street lighting if not too intense.

Lasting from 60 to 90 minutes, it is designed to adapt to the architecture of the venue as well as to the requirements of a festival. Thus the fixed sketches can be played on squares and crossroads, or they can be grouped together on stage for 25 minutes. Residencies can also be organised beforehand to integrate a group of local people into the performances.

Les Allebrilles, chimerical creatures

Nine luminous puppets from 3.60m to 4.30m whose lighting is controlled by the manipulator thanks to commands fixed on the sticks.

Don Bako - Photo © Achromatik

Manon, the mother

A 4 m non-translucent puppet represents the mother of the toads. She is illuminated by the bedside lamp that she carries in her hand.

The little toads

Two masked characters of human size. Each mask lights up through a way chosen by the actors.

The bed

A rolling and oversized bed serves as the stage for our two little toads.
Dimensions: 2.4m W x 2.60m L x 2.50m H. The bed is manipulated by two bedside-lamp men wearing lampshades on their heads. The bed's lighting system is controlled by a lighting engineer.

Picphon

A vulnerable and quivering luminous rolling, articulated dragon. A percussionist and his drums are set up on its back. Dimensions 2m W x 5m L x 4.5m H. This float is also equipped with a broadcast system controlled by the musician. The float is moved mechanically by two manipulators. The light system and the smoke machine are controlled by one of the two manipulators.

A choir of fish masks

Fourteen people fitted with luminous masks accompany all of the elements of the performances. They work in one or two groups. Agile and rapid, they weave their way through the crowd to clear performance spaces so that the voluminous elements can be set up.
Some of these mischievous and rascally characters can be interpreted by local residents after rehearsals. The group can be completed by new masks created during the participatory workshops.

Original music that varies according to circumstances

The show is essentially visual, without words, giving pride of place to dancing and is backed up by both a soundtrack and a group of musicians who give rhythm and structure to the whole. The music highlights the puppeteers and actors.
Allebrilles is usually accompanied by Braka, Thomas Sisquelle and En's Batucada. The soundtrack is broadcast by autonomous speakers set up on the dragon Picphon. Sometimes the performances can integrate local musicians who have earlier participated in a workshop on writing scores and taken part in rehearsals.

A CREATIVE RESIDENCY BEFOREHAND

A participatory show
For more than fifteen years, Les Grandes Personnes company has stressed participatory activities and collective work. Its creations involve a pooling of energies and an exchange of skills. Thus, one or more groups of local residents can integrate the spectacle by participating earlier in certain workshops.

Manipulation of giant puppets
Motivated local adults can learn to manipulate the giants, to tame these papier mâché titans who will permit them to dance with a new scope and to taste the giddiness of having extra-long arms. After a few rehearsals and manipulation sessions, they can participate in the parade as part of a pair with a company puppeteer.

Helmet masks and luminous objects
Adults and teens, for example, can make luminous helmet masks by assembling transparent plastic objects, bottles, receptacles and other packaging that can be recycled. These masks will then be papered and painted with translucent colours. LED lights controlled and powered from a case worn on the belt make it possible to illuminate them when desired. In the same way, various luminous choreographic objects can be created. These construction workshops will be followed by rehearsals to allow locals to integrate the show's performances.

Music and percussion
Supervised by Braka or by the percussionists from En's Batucada, experienced amateur musicians, music school or conservatory students, for example, could work around the scores of the shows and accompany the performances.

Crapauds et Dragon - Photo : Parme Baratier

photo : Parme Baratier

Design and coordination: Christophe Evette,
Lighting design: Nicolas Vuillier, Cédric Lasne, Jean Grison
Visual direction: Mokeït
Directed by: Pauline de Coulhac, Christophe Evette
Musical creation: Braka and Arthur Simon
Supervision of painting workshops: Amora Doris, Aude Meeschaert, Mokeït, assisted by Justine Louvel and Armen Heydon
Supervision of construction workshops: Maurizio Moretti, Yoan Cottet, Sarah Letouzey, Gerôme Martrenchard
Supervision of sculpture workshops: Yabako Konaté
Supervision of luminous mask workshops: Matisse Wessels, Laure Bouchereau
Supervision of costume workshops: Patricio Luengo
Supervision of manipulation workshops: Claude-Maurice Baille
Puppet design: Chloé Buccas, Yoan Cottet, Sarah Letouzey, Claude-Maurice Baille and all of Les Grandes Personnes team
Administration, production: Anne Gablin
Production in Mexico: Alisarine Ducolomb
Stage management: Martin Meppiel
Local services: Emmanuel Thomas
Technical management: Stéphane Meppiel and Martin Martin
Mediation: Pauline Bance
Guest artists: Vady Confident, Raul Rosas, Ricardo Linares Zapien
Technical advisor: Parme Baratier
Programming: Albert Comas
Electronics specialist: Marc Gaide
Acting with masks, manipulation: Raphaële Trugnan, Sévane Sybesma, Maximilien Neujhar, Brahim Ahmadouche, Yacouba Sawadogo, Laurent Grappe, Kevin Valbon, Dominique Bonnot and and all of Les Grandes Personnes team

Gloubaï - Photo : Achromatik

Photo : Achromatik

Participated in the creation of the performance in Lyon: Henri Abbato, Benjamin Aknine, Gabriela Alvarez, Isabelle Astier, Bernard Astier, Lucie Auclair, Fatima Barlerin, Mélanie Barone, Beatriz Becerra, Reine Prisca Bekoe, Julie Bernard, Clara Berrod, Sandrine Berry, Hélène Billey, Jean Denis Blanc, Marie-Claude Bois, Alejandro Bolanos, Anne-Cécile Bonhotal, Nelle Bosson, Lara Boulanger, Jessica Briard, Caroline Caillot, Sophie Canteneur, Romain Chastel, Shuai Chen, Laura Chieze, Florence Cluzel, Laurie Cortial, Josiane Corvisier, Claude Jeanne Couchoux, Agnès Cretinon, Denis Croville, Stéphane Croville, Michel Crozet, Colette Dedouche, Philippe Diaz, Elia di Vitantonio, Camille Drai, Gabriela Dubrac, Marie-Line Dumont, Stéphanie Elmudesi, Nicolas Espana, Anais Faucon, Irina Favero Longo, Caroline Faysse, Isabelle Federici, Orane Feltes, Charlène Fiorani, Delphine Fortin, Marie-Astrid Fouilland, Laurence Fourdrain, Gaëlle Fournie, Cécile Fournier, Denise Framinet, Danielle Froton, Gladys Fuertes, Barbara Garcia, Isabel Gaxiola, Valérie Godon, Rosario Gomez, Marion Guenal, Francoise Guillaumat, Elisabeth Halbout, Yé-Rang Han, Juliette Jegoux, Sandrine Kardas, Brigitte Lacombe, Véronique Lacombe, Lise La Greca, Cécilie Lahaeye, Siham Lalaoui, Cécile Lami, Henri Lancman, Florence Laroche, Perrine Laroche Florian Lasne, Deniz Lauffet, Lydie Laurent, Anna Lavayssiere, Mathilde Lavayssiere, Geoffrey Leger, Meggan Leonor, Gabriela Lopez, Justine Louvel, Viviana Lopez Toro, Caroline Magnoux, Pascal Mancini, Carole Maurice, Audrey Mereu, Rafael Miranda, Elise Monier, Béatrice Montredon, Jiwoo Mun, Sofia Olguin Lausseur, Maria De La Luz Ortega Rocha, Virginie Paulmier, Maya Payau, Nicolas Pigeon, Remy Plasse, Christiane Raclet, Michel Rampaud, Anne-France Rampaud, Lorraine Reda, Claude Reyne, Christophe Richard, Giovanni Ricignuolo, Aurélie Robin, Fernando Ronin, Elodie Roques, Karine Roy, Clémence Saric, Adan Saunier, Antoine Scalbert, Agathe Schoirfer, Aline Selli, Audrey Serre, Sonya Singh, Claudia Sotelo Ramirez, Laura Tanguy, Nagi Tartamella, Malika Temamra, Maud Thomas, Isabelle Touboul, Laura Patricia Tribet, Pierre Urena, Pepita Valades, Claire Vallart, Fanny Verite, Enrique Vidal Olascoaga, Joseph Villalba, Marie-Noelle Weber, Michèle Zobel, Jean-Claude Zobel, Yuanyuan Zong

Allebrilles was created as part of the Fête des Lumières in Lyon with the support of CNAR Frappaz / Les Invites de Villeurbanne, the Noche de los Alebrijes and the Museo de Arte Popular of Mexico City, the Fabrique Sonore, Décor +, Subsistances, Musée Gadagne, Pezl, Toshiba and the Villa Mais d'Ici.

Dacvady - Photo : Achromatik

Photo : Achromatik

An excerpt from the soundtrack, Saraj composed by Braka for the Allebrilles:

The making of a video of the show is in progress.
Here are some images by Emmanuelle Sabouraud taken during the very first performance of Allebrilles in Lyon:

The Yellow Line

Christine Schultz-Touge — 2017-12-30T04:27:39Z

Support: Creation supported by: the DRAC Île-de-France, the Villa Mais d'Ici, the Atelier 231 of Sotteville-lès-Rouen, the CCAS, Animakt // the Barakt, the Hostellerie de Pontempeyrat

Photo : Meescat

LA LIGNE JAUNE

Changeant d'échelle, les Grandes Personnes, habituées aux marionnettes géantes, se penchent sur de petites sculptures. Sur une table autour de laquelle on s'assemble, une usine se construit, des ouvriers arrivent, à la taille des santons de la crèche. Grâce à une actrice qui les manipule et qui leur prête sa voix, les petits personnages de terre cuite construisent des voitures Renault, discutent, se révoltent, finissent par séquestrer un encadrement qui ne veut pas écouter leurs demandes, retraçant l'épopée de l'usine Renault de Cléon, près d'Elbeuf au cours des années 1950-1970. Leur histoire minuscule rappelle que les avancées sociales ne sont pas arrivées dans la hotte du père Noël, mais ont été conquises de haute lutte.

La condition ouvrière
La Ligne jaune est un projet politique dans la mesure où il s'agit de secouer le fatalisme ambiant et rappeler au prix de quelles luttes la condition des ouvriers s'est améliorée au XXe siècle. Le récit mêle des destins individuels et des grands moments historiques collectifs.
Par ailleurs, La Ligne jaune recourt aux éléments ludiques et populaires que sont les santons de la crèche, situés à mi-chemin entre l'art et l'artisanat. Le jouet en effet, du train électrique à la poupée, est déjà une sculpture, et par définition sert de support à l'invention, à la narration et au dialogue. Sur ce principe, l'actrice de La Ligne jaune raconte des histoires en manipulant des figurines, en invitant les spectateurs à jouer aussi, afin de rétablir un lien avec l'enfance, comme les grandes marionnettes le faisaient déjà, puisqu'ici aussi, il est question de mythes fondateurs et de mémoire.
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À la première sonnerie, à cinq heures vingt-cinq, les ouvriers doivent se trouver dans l'atelier. Photo Achromatik

Le dispositif scénique
L'acteur explique les règles du jeu, déplace, actionne et manipule des sculptures et des santons, sur un plateau de table autour duquel les spectateurs sont installés en rond. La table et les sculptures inspirées de jouets figurent la scène de la mémoire de chacun d'entre nous, mais aussi la table de famille, l'atelier dans l'usine etc. Des objets passent parmi les spectateurs, des choix proposés au public modifient le déroulement du récit et suscitent des interactions réelles. Ainsi, un élément caractéristique des intérieurs latins, la table entourée de ses chaises, se trouve déplacé de l'intérieur, où elle symbolisait l'intimité et la famille, vers l'extérieur, la rue. Ce bouleversement des habitudes peut rappeler les évictions, les déménagements ou, justement, les piquets de grève. Si l'occupation de la rue à des fins spectaculaires rappelle d'ailleurs aussi ce corollaire de la grève qu'est la manifestation, il s'agit ici non d'y défiler, mais de s'y installer longuement, familièrement et de retrouver la mémoire de luttes passées.

Chaque fois que les CRS ont tenté d'entrer de force dans une usine, ça s'est mal passé . Photographie Achromatik.

Ce qui se joue sur la table : La Ligne jaune
Le spectacle raconte les tribulations d'une famille sur trois générations, en lien avec l'histoire plutôt méconnue de l'usine Renault de Cléon, en Normandie, près d'Elbeuf, depuis sa création, en passant par la sombre affaire du « diamant », jusqu'au conflit retentissant avec occupation des locaux et séquestration de l'encadrement en 1968 et ses lendemains immédiats.
L'un des intérêts de La Ligne jaune est d'aborder le monde de l'usine, du travail et de la lutte sociale, comme jadis L'Établi de Linhart ou plus récemment les romans de Gérard Mordillat, mais sous la forme la plus vivante, la plus ludique possible.
Pour évoquer la mémoire du travail et de la revendication sociale, nous avons assez rapidement retenu les luttes menées par les ouvriers de Renault Cléon. Les conflits sociaux, parce qu'ils y ont été exacerbés, allant jusqu'à une grossière machination d'un côté et à la séquestration de l'encadrement de l'autre, y prennent valeur d'exemple. Et puis la création de l'usine en quelques mois est une aventure industrielle moderne. Naturellement, le spectacle sera proposé aussi dans la région Haute-Normandie, qui est son cadre premier, et où il pourra susciter des échos intéressants.

On poursuit la grève et on occupe l'usine. Photo Achromatik

Les santons
Les rôles sont tenus par des santons et des éléments de décor que l'acteur dépose un à un sur une table. Le choix des santons de la crèche pour interpréter cette épopée syndicale et industrielle n'est pas seulement une provocation amusante ; il rappelle à quel point ce conflit a été fondateur et il tisse un lien avec les techniques de moulage utilisées à la fois pour les moteurs et pour les santons. Tous comme les ouvriers de l'usine, ces figurines sont traditionnellement déterminés par leurs métiers, berger, boulanger, garde-champêtre, etc. La terre cuite des santons fait écho à la fragilité du corps de chair de l'ouvrier confronté à la machine. Même s'ils sont résolument modernes et réalisés par cinq jeunes plasticiens, certains d'entre eux sont inspirés par personnages traditionnels de la crèche provençale, le ravi, le garde-champêtre, les rois mages etc. et ils ont été fabriqués selon les techniques exactes des santonniers professionnels, confection de moules, moulage de terre crue, cuisson, peinture à la gouache. Sur scène, ils arrivent progressivement, jusqu'à devenir une petite foule sur la table.

« Toutain a quitté l'atelier. Troisième faute professionnelle. Viré, Toutain ! » Photographie Achromatik.

1958-1978
Renault installe une nouvelle usine au bord de la Seine pour construire les boîtes de vitesse des « dauphines ». Au lieu d'une étable ou d'une grotte, c'est une usine qui apparaît. Elle se construit à une vitesse record. La première machine-outil est mise en marche alors que les murs ne sont pas encore finis. Les vaches s'en vont. Les petites industries familiales locales, spécialisées dans le tissage, déjà en perte de vitesse, prennent très mal l'arrivée de ce géant qui débauche leurs employés et promet des salaires qui paraissent mirifiques. La CGT s'implante dans la nouvelle usine et les tensions avec la direction atteignent leur sommet en 1960 : on accuse de vol de diamants de tête de foreuse le délégué du personnel. En 1962 on commence à fabriquer le moteur « Cléon fonte », qui sera utilisé jusqu'en 2004 !
À la fin des années soixante, l'atmosphère dans l'usine se dégrade. Les ouvriers se sentent souvent blessés dans leur dignité. On les paie moins qu'à Billancourt, on délimite leur parcours avec une ligne jaune qu'ils n'ont pas le droit de franchir avant la sonnerie, on les empêche de se laver les mains pendant leur temps de travail et certains cadres les appellent « la viande », les « betteraviers »…
Il y a quelques « gauchistes » dans l'entreprise. Aussi, le 16 mai 1968, quand les membres de la direction refusent de recevoir les délégués des grévistes, ces derniers, malgré l'avis de la CGT les séquestrent. Ils sont enfermés dans leurs bureaux, contraints à dormir sur la moquette, à peine nourris, avec un ouvrier qui joue du clairon sous leur fenêtre. L'un des cadres fait un malaise ; ses collègues craignent d'être attaqués par des ouvriers soûls… À l'extérieur, on essaie d'organiser un commando pour les délivrer. Une femme de ménage leur apporte, dissimulés dans un seau, sous une serpillière, des sandwichs.

Yvonne rejoint l'usine Renault, pas comme ouvrière, on n'en prenait pas à l'époque, mais comme femme de ménage. Photographie Achromatik.

L'exposition La Ligne jaune
Avant, pendant et après le spectacle, les santons et les accessoires du spectacle peuvent être exposés dans une vitrine du voisinage, pour qu'on puisse profiter de près des détails de leur sculpture et différencier le travail des plasticiens impliqués.

Le texte
Comme celle du spectacle À la corde, l'écriture est le fruit d'une collaboration entre Christophe Evette plasticien à qui revient l'idée du dispositif, et Jean-Baptiste Evette, auteur, qui a déjà travaillé sur l'histoire du monde ouvrier. Au fil des collaborations, ils prolongent des inventions ludiques commencées au cours de leur enfance.
Les répétitions et les premières représentations ont permis de mûrir et d'affiner le texte, avec l'aide des comédiens et de plusieurs metteurs en scène.
Si le travail, les revendications ouvrières et leur aboutissement sont au cœur du propos, le récit s'emploie à rendre la complexité et la richesse des relations entre ces hommes qui travaillaient ensemble, qu'ils fussent cadres ou ouvriers, il aborde les questions de l'arrivée des femmes, des accidents du travail, de l'alcool et de la convivialité dans l'usine, etc. Le texte repose sur une recherche bibliographique, sur le visionnage d'archives, mais surtout sur des témoignages oraux recueillis auprès d'anciens salariés de Renault Cléon, ayant vécu la fondation de l'usine et les conflits des années soixante, ainsi que d'un délégué syndical d'aujourd'hui.
Porté par une actrice unique, le texte est un monologue, mais on y entend parfois les échos d'un parler ouvrier qui ne se réduit pas à une syntaxe malmenée, des ordres lancés par la maîtrise, mais aussi un feuilletage des voix, puisque les paroles des parents et des grands-parents y sont perceptibles à travers ceux de leur fille et petite-fille narratrice de l'histoire.
À des moments clés, le texte provoque, invite les spectateurs à participer, pour que le moment collectif du spectacle fasse écho au moment collectif de la fabrication ou de la grève. Ainsi, la narratrice consulte les spectateurs sur la suite à donner à la grève, ce qui implique une écriture ouverte, offrant des bifurcations qui fait de chaque représentation un moment unique.
Enfin, puisque la matière de l'action est vivante, Renault Cléon continuant à fabriquer, à vivre, à lutter, le texte devra suivre cette vie à laquelle il s'est attaché. L'usine fabriquera-t-elle réellement les moteurs électriques Renault, alors que certaines chaînes de montage ont été délocalisées en Roumanie ?

Le nombre d'ouvriers ne cesse de baisser. Photographie Achromatik.

Autour du spectacle : publics, échanges et transferts de connaissances ou de techniques
Puisqu'il est conçu pour rappeler les luttes sociales de la seconde moitié XXe siècle, le spectacle pourrait s'adresser à des aînés qui les ont vécues en même temps qu'à des jeunes qui ne les connaissent pas encore. Ainsi, on pourrait imaginer un public formé de retraités et de lycéens, par exemple.
Le spectacle peut éventuellement être suivi par un débat en compagnie de ses créateurs, auteur, santonniers, metteur en scène, qui peuvent à la fois échanger sur l'histoire sociale, la fabrication et la conception du spectacle.
_Enfin, même si les santons sont trop fragiles pour être confiés à des mains inexpérimentées, le spectacle pourrait servir de base à un atelier d'écriture et de création plastique, pour raconter en utilisant les éléments du spectacle et en y ajoutant d'autres, des luttes locales, un métier particulier, la vie d'une autre usine dans un autre secteur. Il pourrait aussi susciter des ateliers purement plastiques aboutissant à une création de personnages de terre moulée, selon la technique des santonniers.

Le projet En-jeu
L'idée, c'est aussi que La Ligne jaune soit modulable et évolutive. D'une table unique, où se joue une histoire, on pourrait passer à deux, puis trois, puis quatre tables, en fonction des possibilités. Dans la configuration maximale, quatre spectacles se dérouleraient en même temps sur quatre tables, l'événement s'appellerait alors En-jeu et déclinerait quatre thèmes différents, représentés avec des jouets sculptures variés. Ainsi, au lieu de concentrer l'attention des spectateurs vers un seul lieu, une scène ou un écran, En-jeu organiserait plusieurs pôles où ils seront invités à regarder et à participer à un spectacle sur lequel il faut baisser les yeux. Selon le lieu où il se produira En-jeu prendra des allures d'allée de marché, de foire ou bien de salon de jeu. En-jeu s'organisera selon quatre actes qui seront joués sur quatre tables suffisamment écartées les unes des autres pour qu'on puisse y parler sans se déranger :

• Table 1 Les droits des travailleurs avec la crèche (La Ligne jaune).
• Table 2 Justice et abolition de la peine de mort avec des pions, une table de jeu et tirage au sort des figurines, cartes ou roulette.
• Table 3 Les droits des femmes avec des soldats de plomb (ou du plat d'étain).
• Table 4 L'accès à la santé avec des figures de cire et des planches pédagogiques.

Chacun de ces actes d'une durée d'une vingtaine de minutes sera interprété par un acteur qui utilise des accessoires sculptés conçus pour voyager dans une seule valise, en transports en commun. Chaque spectateur aurait le temps d'assister à deux ou trois de ces spectacles dès lors que plusieurs représentations successives sont prévues.

Un copain a eu le bras arraché par la chaîne qui emportait les copeaux. Photo Achromatik

La création de la Ligne Jaune est soutenue par :
La Villa Mais d'Ici
Les CCAS
L'atelier 231 de Sotteville-lès-Rouen
Animakt // la Barakt,
La Fabrique sonore
L'Hostellerie de Pontempeyrat
La DRAC Ile-de-France

Durée : 45 mn

L'Équipe

Texte : Jean-Baptiste Evette

Conception : Christophe Evette

Avec : Raphaële Trugnan ou Pauline de Coulhac

Mise en scène : Nicolas Vidal, Evelyne Fagnen, Christophe Evette avec l'aide de Pauline de Coulhac et de Benoît Hamelin.

Modelage, moulage et peinture des santons et des accessoires : Amora Doris, Matisse Wessels, Fleur-Marie Fuentes, Caroline Kurz, Anna Deschamps et Meescat.

Réalisation de la table et des accessoires en bois : Jean Martin, Maurizio Moretti

Illustrations sonores : Fabien Caron

Le texte a été réalisé à partir d'entretiens avec les employés, les ouvriers et les syndicalistes de l'usine Renault Cléon qui ont bien voulu nous raconter leur travail, leurs luttes et leur quotidien et qui nous ont prêté leurs mots, merci à eux et à Pascal Le Manach, délégué CGT. Merci également à Dominique Beaux pour ses images sur Cléon en 68.

Fin 1967, y a des débrayages à Cléon. Un noyau dur d'une cinquantaine de gars anime l'action. Photographie Achromatik.

Ancestors

Christine Schultz-Touge — 2017-12-30T04:27:36Z

Support: Creation by the DRAC île-de-France, the Institut français and the Théâtre de la Commune

Ancêtres, voorvaders, antepasados,
antenati, forefathers, الأجداد…

The enigma of a life can really only be grasped through the imagination,
which is no less reliable than memory”.
André P. Brink – Praying Mantis

Foreword
For twelve years, Les Grandes Personnes has been very specifically interested in the relationships between generations. The team includes three generations of creators and fabricators, joining children and elders in the projects and the workshops. The performances Une Grande Famille played in Burkina Faso or the Giant Match in South Africa are suitable for several generations of giant puppets in urban spaces. By a Thread, and its sculptures that are passed from hand to hand, deals with family transmission. And these very visual creations are intended for all ages. Recently, the work in South Africa and in Aubervilliers has sparked a reflection, within the collective, about the issue of conflicting memories.

Ancestors is a participatory project, a collective creation that aims to encourage a group of diverse individuals to reflect together about their origins and history. Ancestors ties together individual and collective destiny, reintroducing the individual into history.
_It is not a question of pretending that past conflicts no longer matter, but on the contrary, to calmly address opposing memories, to develop not memorial rivalries, but a plural narrative where the memory of conflicts can be expressed, and be resolved through art.
So working together with Les Grandes Personnes are descendants of African warriors who faced colonisers and great-grandchildren of soldiers who besieged their villages, while in France grandchildren of FLN insurgents live next to grandchildren of French conscripts who fought them so fiercely.

Participants
This project is mainly aimed at individuals interested in the question of their origins and by the history of generations that preceded them. It will take on its full scope in regions where the history of settlements is complex, whether colonial, post-colonial or migratory. It will speak of populations which, not recognising themselves in the way books tell their history, would like to reclaim it, imagine it, or reinvent it. We can invent ancestors, like we sometimes invent a family.

Even forgotten or vanished peoples have descendants who can revive their memories. Thus Fleur-Marie Fuentès, of Chilean origin, who is part of this project, has invented a Selknam ancestor, from the population of Tierra del Fuego, completely erased from the map…

The entanglement of journeys, conquests, exiles, uprooting, taking root, languages, traditions and forgetfulness that weaves the history of a single neighbourhood certainly provides enough material to recount and to create. Older people, who often like to look back on their history or their genealogy, have important building blocks to bring to this construction.
While experienced writers, historians, artists and technicians will support the creation, the more varied the group is in its origins, the more interesting the construction promises to be.

Residency
The performance is intended to be created during residencies of about fifteen days. Participants, of different origins, genders and professions work together in a quiet setting, conducive to encounters and to creation, which can accommodate the group and the workshops.

Writing
Participants are invited to personify one of their ancestors through a writing workshop, conducted by a writer, a visual artist, and an historian among others. This ancestor can be imaginary or real, probably both at the same time.
From the origins of mankind up until today, a long chronology is concretely established in space.
Within this chronology, each participant chooses the era and the generation in which they want to set their ancestor.
They invent ties, a true filiation or a relation, that links them to the previous and following statuette. Each ancestor embodies an era and a generation, each ancestor is linked to the one that precedes it and follows it.

Sculpture
Thanks to a sculpture workshop conducted by several visual artists, sculptors and costumiers, each participant brings an imaginary ancestor back to life, in the form of a statuette with a mechanism.
Possible artistic expressions are multiple, but rules are established for techniques and scales.
Each stage of construction revolves around a workshop where one finds the materials, tools and especially the support of an experienced artist or artisan. These steps are approached in the order that follows:
research of image sources and documentation relative to the chosen ancestor, their era, their profession…,
making the plan, design, model, what attitude, what gesture, what action, what mechanism?
making the support, skeleton, mechanism and joints,
modelling of the body and face, woodcarving of certain elements,
creation of enamelled copper eyes,
painting,
making wigs,
cutting and sewing costumes,
making accessories, etc.

Performances
During performances, participants present and manipulate the statuettes of the ancestors, either alone or with others. Each person chooses the language in which they will present their ancestor, their stories are subtitled in two other languages. The group works with the help of an author and a director to build a simple, lively and polyglot performance.
The viewer can thus travel back in time through the intersecting tales of the “ancestors”; the succession of these characters gradually portray the common destiny of a population.

_Exhibition and website
The performances are filmed, the stages of the creation and the finished sculptures are photographed.
After the performances, “Ancestors” lives on as an exhibition that can travel, being easy to pack and not too bulky.
The exhibition presents the statuettes and related texts, a video of the performance, photographs of the stages of the creation and of the participants.

A website allows visitors to travel intuitively within this imaginary “genealogy”, to go back centuries with a click of the mouse, to stop on this or that ancestor, to operate the mechanism virtually.
The project is intended to give birth to several residencies and “genealogies”, in various countries.
The work, the site and the exhibition will thus be gradually enriched by new contributions, by new “elders”, by new ancestors.

Working and performance languages
The creation will bring together an international team and translators. It will be carried out in several languages, each person being free to imagine and recount in the language of their choice. The performance will be offered in several languages; luminous caption stands will will make it possible to subtitle performances in two other languages so that they can be presented simultaneously in three languages and be accessible to the greatest number.

Religions and ancestor worship
In the title of the project, the word ancestors could lead to a certain confusion. With the greatest respect for customs and various religious practices, we will be careful to avoid any confusion between our work on the elders and an imaginary genealogy and traditional ancestor worship.

A few extracts from Ancestors at Aubervilliers

Bona Kélé

Christine Schultz-Touge — 2017-12-30T04:27:34Z

Support: the Villa Mais d'Ici, the PIAMET of Boromo

A century ago

In 1987, the sculptor Bomave Konate, who was to be awarded the title “living human treasure” by its country, Burkina Faso in 2016, took me to the little town of Sibi quite dynamic at the time because it had its own train station on the line from Ouaga to Abidjan. There was in the city center, by the road, a very large kapok tree where, he told me, men were hanged in 1916 during the Bwa Insurrection. I often thought about it. If African writers such as Hampate Ba or Nazi Boni mentioned it, in France this important uprising against forced conscription of the Tirailleurs seemed to have been utterly forgotten.
Our regular collaboration and strong ties with artists and inhabitants of this African region, our long lasting partnership with NGO Les Grandes Personnes d'Afrique, marionnettes de Boromo allowed us to rethink this part of our common history, to collect fragments of it and to create an object theater performance.

Christophe Evette

In Burkina Faso
Bona Kele was written, created, staged in Burkina Faso in the towns of Ouri, Ouaga-Dougou and Boromo. This visual theater piece, simple and nomadic is the result of a partnership between the Grandes Personnes d'Aubervilliers et the Grandes Personnes de Boromo, with the help of Burkina Street Theater festival “Rendez-vous chez nous”. Working in Burkina Faso allowed to visit the places where the war took place and to collect the stories still told by children and grand-children of the insurgents.

A nomadic Franco-Burkinabe creation
_The performance comprises 53 objects chosen for their mnemonic capacities, painted wooden sculptures, metal sculptures made by traditional blacksmiths. These elements fit in a hand, they are intimate and accessible supports helping to remember. Each one is linked to a moment in the narrative and resuscitates a fragment of this past.
The audience is seated around several tables. An actor arrives, takes the objects out of a bag or basket and puts them on the table. He explains with his own words the historic episodes they embody. When he is done, a new actor arrives with new objects, till the tale is told. French and Burkinabe actors are mixed, and standard French that used to be the langage of colonization and West African French are both heard.

Bona Kélé - Photo : Achromatik

Photo : Achromatik

What Bona Kele means

Bona Kele means the war of Bona, Bona is the name of the village where the insurrection started. That's the name most of Burkinabe give to the uprising of several populations from the loop of the Volta (nowadays the Mouhoun) when the French tried to rise troops for the First World War. No doubt it was a real war: almost a million persons were impacted, and the French domination in the country was challenged. Yet it is little known and its 100th birthday had no commemoration.

Photo : Achromatik

Bibliography
Patrick Royer and Saul Mahir, West African challenge to the Empire : Culture and History in the Volta-Bani colonial war, Athens & Oxford: Ohio University Press and James Currey, 2002.
Patrick Royer, « La guerre coloniale du Bani-Volta, 1915-1916 (Burkina-Faso, Mali) », in Autrepart 2/2003 (n° 26), Sociétés dans la guerre, p. 35-51.
Nazi Boni, Le Crépuscule des temps anciens : chroniques du Bwamu, Présence africaine, 1962, réédité 2000.

Imagined by Christophe Evette
With the help of Bomave Konate.
Historical research: Jean-Baptiste Evette
Research in Burkina: Bomave Konate, Gnile Konate, Laure Louvat, Christophe Evette and Emmanuelle Sabouraud.
Many thanks to all the people from Ouahbou and Sibi, the Kote family in Bona, Konate in Oury and Lougue in Boromo who helped to build the narrative.
Sculptors and Blacksmiths: Bomave Konate, Yabako Konate,Yézouma Konate, Noumassi Tiaho, Fianlo Tiaho, Yzimi Konate, Loa Konate; Bani Konate, Pemba Konae, Yemave Konate, Christophe Evette, Zoumienne Tiaho, Mamadou Konate, Rose Anne Nollet, Masanvo Tiaho, Mitihan Tiaho.
Painters: Inoussa Tapsoba aka Tapson, Dakoue Clement aka Papa, Rose Anne Nollet, Ibrahim Sougué, Aïdara Zoubierou and Paula Chaman de Courcelles
Leatherwork: Lassina Simboro
Illustrations: Sarah Letouzey
Bona Kele is told by Pauline de Coulhac, Yacouba Sawadogo, Raphaële Trugnan, Benoit Hamelin, Yabako Konate; Christophe Evette, Laure Louvat, Sidiki Zorome aka Ladji , Gaston Doulkon, Lamoussa Yao, Ysimi Konaté, Aïdara Zoubierou and Ousseini Zongo
Production, diffusion: Laure Louvat.
Administration: Anne Gablin and Dri Zongo.

Coproducers: le the International des Arts Modernes et Traditionnels de Boromo, the Festival Rendez Vous chez Nous and the Villa Mais d'Ici in Aubervilliers.

Photo : Hannah Paton

We're Hungry (On a faim)

Christine Schultz-Touge — 2017-12-30T04:27:31Z

Soutiens : Création soutenue par le Moulin Fondu et la Villa Mais d'Ici.

Le chapon - Photo Achromatik

« Qui n'a jamais rêvé d'être mangé tout cru ! »
Un entre-sort tout public qui revisite contes de fées et peurs enfantines.
Le public, choisi aux petits oignons, débarque comme un cheveu sur la soupe à un banquet de géants aux dimensions gargantuesques qui festoient de chair fraîche. Surgit la figure de l'ogre et avec, nos peurs délicieuses d'enfants. On devient tous les frères d'arme de l'audacieux Petit Poucet, chacun pouvant à tout instant être celui que l'on va dévorer. Heureusement la révolte du rôti remettra à temps de l'ordre à tout cela…
N'ayez crainte, entrez dans cet entresort - entremet très salé, goûtez au plaisir effrayant de jouer aux condiments… Un changement d'échelle renversant et sensationnel, dans un laps de temps bref et intense.
Laissez-vous croquer, pardon tenter.

Le plat de résistance résiste - Photo C. René Bazin

Les visiteurs sont conviés à observer un véritable repas de géants à travers des trous de souris.
On les guide dans un couloir sombre qui n'est que le dessous d'une très grande table.
Ses tréteaux sont autant d'escabeaux. En grimpant trois marches, les visiteurs font passer leur tête par un orifice, et se retrouvent au centre d'assiettes ou de plats, entourés de feuille de salade et de condiments divers.

Ils découvrent, attablés, autour d'eux une douzaine de géants hilares. Ces ogres ont de grands couverts à la main et sont très bruyants.
Sur une table roulante apparaît un homme allongé dans un plat, bardé, une pomme dans la bouche et du persil dans les oreilles. Les géants observent leurs nouveaux mets avec appétit, les tâtent de la pointe de la fourchette, les auscultent du doigt, font des commentaires désobligeants, se frottent le ventre et s'approchent pour les dévorer.

Mais l'homme rôti se dressant sur son plat sonne l'heure de la révolte, il s'empare d'une grande fourchette, en menace le plus gros des géants et donne le signal de la retraite. Sous la table les guides aident les visiteurs à s'enfuir.

Isidore a faim - Photo Hamed Askari

Le Banquet des Géants est un entresort-entremet d'une durée totale de cinq minutes, qui peut accueillir à chaque représentation 20 personnes, 200 en une heure et environ 400 par jour. Il peut être joué en intérieur éventuellement en extérieur, dans un espace idéal de 15 mètres par 8, avec une hauteur minimum sous plafond de 5 mètres. La taille du banquet peut éventuellement être réduite pour s'adapter à des salles de moindres dimensions. L'espace devra être occulté et fermé de façon à ce que l'on puisse en contrôler l'accès et préserver le secret.
Une parade peut être proposée à proximité, à l'issue des representations.
Une bande son est diffusée en continu pendant les représentations. Un affichage sur panneaux est prévu autour de l'entresort. Sonorisation et éclairage à étudier en fonction du lieu de représentation.
Montage : 8 heures - Démontage : 2 heures

Il est tendre… - Photo Hamed Askari

Equipe et remerciements
Entre-sort imaginé par : Christophe Evette, Frank Oettgen et les Grandes Personnes
Manipulé et interprété par : Brahim Ahmidouche, Clodmô Baille,
Dominique Bonnot, Yoann Cottet, Pauline de Coulhac, Christophe Evette,
Cécile Favale, Fleur Marie Fuentes,`Ali Haddar, Benoit Hamelin, Yabako Konaté, Cédric Lasne, Maurizio Moretti, Sévane Sybesma, Raphaële Trugnan, Matisse Wessels.
Marionnettes, accessoires et décors construits et réalisés par :
Fleur Marie Fuentes, Sarah Letouzey, Clôdmo Baille, Dominique Bonnot, Chloé Bucas, Virginie Chevrier, Yoann Cottet, Soumia El Boukhary, Christophe Evette, Cécile Favale, Ali Haddar, Guillaume Jover, Cédric Lasne, Stephanie Le Bourn, Manu Macaigne, Martin Martin, Aude Meeschaert, Maurizio Moretti, Frank Oettgen, Nicolas Tauveron, Nicolas Vuillier, Matisse Wessels.
Avec les marionnettes : Mamie Kiki, Rozor, Madame Dayac, Petit Bandit, Mafeso, Bon Papa, BonneMaman, Nanie, Maau, Oncle Jean, Manon et Isidore.
La table du banquet a été conçue par Jean Martin et Martin Martin.
Musique originale de Johann Riche enregistrée à la Villa Mais d'Ici par Fabien Caron.
Création lumiére de Jean Grison.
Merci à Patrick Dordoigne pour ses précieux conseils.
Plaquette réalisée par Denis Brumaud et Elise Genvrin.
Photos de Clémence René Bazin, Nicolas Menet, Hamed Askari et Achromatik
Texte “ Qui vorace, dévore” de Jea- Baptiste Evette.
Illustrations originales d'Aude Meeschaert.
Une première version du banquet à été présentée en 2006,
à l'occasion des Folies de Maubeuge, à l'issue d'ateliers menés avec l'aide du Manège, du Fennec, de Bien Vivre à Joyeuse, des IME Jeumont et la Source, du Foyer Sangha, des Amis du Moulin de Marpent et de la Famille Molette.
La création de On a faim a été soutenue par le Moulin Fondu et la Villa Mais d'Ici.

Qui, vorace, dévore ?

Le changement d'échelle et de perspective, proposé par Le Banquet des géants, l'« entresort-entremet » de la compagnie des Grandes Personnes constitue une expérience savoureuse, à la fois intime et philosophique. Devant les géants de quatre mètres qui festoient de chair humaine, comme les ogres du conte, les spectateurs se retrouvent réduits à la taille d'enfants, de frères de l'astucieux Petit Poucet, et dans la position de ceux qui servent de mets, la tête, à proprement parler, dans l'assiette
Ils peuvent revivre l'inquiétude délicieuse des bambins qu'on joue à manger (à dévorer de baisers ou à croquer tout court), se confronter de manière neuve à l'angoisse de la dévoration : la taille démesurée de ces ogres rappelle celle de parents, de pères légendaires qui, de crainte de se voir détrôner par leurs enfants, les engloutissent, comme Saturne, dieu de la mélancolie a mangé les siens.
Cet entresort revisite peut-être par hasard un épisode de l'Odyssée, la rencontre des compagnons d'Ulysse avec le Cyclope, fils de Poséidon, monstre unique qui les dévore, alors que Le banquet des géants multiplie les prédateurs.
La référence la plus adéquate, cependant c'est bien sûr Le Petit Poucet de Charles Perrault, première apparition de l'ogre ( 1697) déjà dans toute sa puissance, mais un Petit Poucet de l'intérieur, par en dessous. Charles Perrault écrivait :
« Je sens la chair fraîche, te dis-je encore une fois, reprit l'Ogre, en regardant sa femme de travers, et il y a ici quelque chose que je n'entends pas. »
En disant ces mots, il se leva de table, et alla droit au lit.
« Ah! dit-il, voilà donc comme tu veux me tromper, maudite femme ! Je ne sais à quoi il tient que je ne te mange aussi : bien t'en prend d'être une vieille bête. Voilà du gibier qui me vient bien à propos pour traiter trois ogres de mes amis, qui doivent me venir voir ces jours-ci. »
Il les tira de dessous le lit, l'un après l'autre. Ces pauvres enfants se mirent à genoux, en lui demandant pardon ; mais ils avaient affaire au plus cruel de tous les ogres, qui, bien loin d'avoir de la pitié, les dévorait déjà des yeux, et disait à sa femme que ce seraient là de friands morceaux, lorsqu'elle leur aurait fait une bonne sauce. Il alla prendre un grand couteau ; et en approchant de ces pauvres enfants, il l'aiguisait sur une longue pierre, qu'il tenait à sa main gauche.
Les convives du banquet des géants sont-ils ceux que l'ogre avait prévu d'inviter pour dévorer ces enfants en sauce (qu'il faut tuer à l'avance pour qu'ils soient bien attendris, « mortifiés » dit le texte) ?
Comme dans Le Petit Poucet, il n'est question que de manger. Tout le monde le sait, le conte se déroule dans un pays de famine, la disette est telle que les parents se résolvent à abandonner leurs enfants dans la forêt. Pour échapper aux loups (voraces également), Poucet et ses frères entrent chez l'ogre…
Pendant ce temps les parents indignes mangent comme trois. Tout le conte se joue entre la faim et la voracité.
Le Banquet des géants offre aussi une puissante satire du rite du repas pris ensemble, à table, repas de famille ou de fête. Et faut-il souligner l'intérêt philosophique du changement d'échelle et de perspective ? combien il est riche de redevenir enfant, de se retrouver petit, et en dessous ? de jouer pour une fois le rôle de ce qui se trouve dans l'assiette ?
La révolte du rôti ou plutôt l'insurrection d'Anselme contre les ogres remettra les choses en place, avant la sortie.